스텐실이 없는 경우가 많다. 폴리네시안과 마오리 작업, 그리고 일부 mosaic flow 작업에서 작품은 빨간 펜과 흔들림 없는 손에서 시작된다. 아래에서 숨 쉬는 몸 위에 디자인을 곧바로 그려 나간다. 그는 근육과 자세를 읽는다. 어떤 카본 전사도 예측할 수 없는 작고 무의식적인 움직임을 읽고, 그 하나하나에 실시간으로 응답한다. 머신이 돌아가기 시작할 무렵이면 작업의 상당 부분은 이미 끝나 있다.
많은 아티스트가 몇 시간에 걸쳐 스텐실을 준비하고 디자인을 한 번 전사해 붙이는 고정된 대상으로 다루는 반면, Coen은 프리핸드 작업을 하나의 대화로 다룬다. 몸에 직접 그리든 미리 구상하든, 모든 작품은 의자에 앉은 그 사람을 위해 지어지며 결코 폴더에서 골라지지 않는다. 사소한 것, 방법의 문제일 뿐이다. 그러나 그것이 그에 관한 거의 모든 것을 설명한다.
그는 31세, 13년의 경력을 지녔으며 SKINGRAPHICA 글로벌 톱 100에 선정된 아티스트 가운데 한 명이다. 그가 지닌 GRAPHICA 칭호는 기술적 장악력과 창작자로서의 작가성이 세계 최정상에 있는 아티스트에게만 주어진다. 그의 작업 기반은 Tattoo Gold다. 2020년 그가 타카푸나의 배리스 포인트 로드에 연 스튜디오다. 타카푸나는 오클랜드 노스쇼어의 항구 도시로, 도시의 다른 곳보다 30분 먼저 해돋이를 맞는다. 올해 하반기부터 그는 오클랜드와 암스테르담 근교의 거점을 오가며 지내기 시작한다. 암스테르담은 3년에 걸친 유랑의 여정 한가운데에서 아내 Maxime을 만난 도시이자, 의도적으로 국제적인 길을 걸어온 그의 경력이 다음 장을 여는 곳이다.
자신의 미학을 단어 3개로 표현해 달라는 질문에 그는 연극적인 꾸밈 없이 답한다. 정밀함(Precise). 변화(Transformative). 지속(Enduring). 이 3개의 단어를 기억해 두기 바란다. 이것들은 또한, 대략 이 남자를 이루는 구조이기도 하다.
“일찍부터 불편함이 편했다. 그것이 내가 타투에서 성장할 수 있었던 이유 중 하나이고, 지금도 그렇다고 생각한다.”
차고
타카푸나 이전, 소속 아티스트 명단과 맞춤 간판 이전, Inked 지면의 화보와 십여 개국에서 날아오는 고객들 이전에, 불스의 한 차고가 있었다. 왕가누이와 파머스턴노스 사이의 작은 마을로, 인구는 1,800명 남짓이다. 슈퍼마켓에서 마주치는 어른들의 이름을 모두 알며 자라는 그런 곳이다. 어떤 합리적인 지도로 봐도 세계 랭킹에 오르는 타투 아티스트를 배출할 만한 곳은 아니다.
첫날은 그 차고에 끌어다 놓은 낡은 컴퓨터 책상 위에서 시작되었다. 그는 16세였다. 고객은 그의 아버지였다. 디자인은 마오리에서 영감을 받은 문양 속에 뉴질랜드의 윤곽을 담은 것이었고, 그것은 아버지의 등에 새겨졌다.
“우리 집 차고에서 했다. 낡은 컴퓨터 책상을 놓고, 아버지는 거기 앉아 아들을 온전히 믿어 주었다. 그 순간이 결국 어디로 이어질지 우리 둘 다 정말로는 알지 못한 채로.”
이 이야기에 무게를 주는 것은 대담함이 아니다. 차고에서 시작하는 십 대는 얼마든지 있다. 무게는 반대 방향으로 흐르는 신뢰에 있다. 한 번도 피부에 바늘을 대 본 적 없는 아들에게 아버지가 자신의 등을 내어 준 것이다. 그는 지금도 그 첫 작품을 자랑스러워한다. 기술 때문이 아니라 그것이 무엇이었는지 때문이다. 아버지의 등에 그려진 나라의 지도. 그것을 그린 소년은 훗날 몸 위에 나라를 새기는 일로 경력을 쌓게 된다.
더 많은 것을 말해 주는 것은 그가 기억하는 긴장의 정도다. 긴장은 거의 없었다. 첫 작업부터 그는 낯선 것 속에서 편안했고, 그 뒤로도 줄곧 그랬다. “일찍부터 불편함이 편했다.” 그는 말한다. 이 말은 평온을 약속하지 않는다. 그것이 약속하는 것은, 불편함 그 자체가 통달해야 할 대상이 된다는 것이다.
웰링턴
차고는 시작이었다. 그를 만든 것은 웰링턴이었다. 그는 사모아 전통에 뿌리를 둔 스튜디오 Taupou Tatau에서 정식 견습을 시작했다. 전문적인 폴리네시안 작업과 손님이 끊이지 않는 워크인 플로어를 함께 운영하는 곳이었다. 차근차근 배우는 수업이라기보다는 몰입이었다. 그는 끊임없이 그렸다. 끊임없이 청소했다. 문으로 들어오는 것은 무엇이든 새겼다.
견습 시절을 낭만화하는 것이 유행이다. Coen은 그러지 않는다. 그는 그 훈련이 적응력과 규율, 그리고 “타투가 몸과 함께 어떻게 자연스럽게 흐르는지 이해하는 것”에 관한 것이었다고 말한다. 그 마지막 구절이 그가 물려받은 유산이다. 훗날 그의 이름을 알리게 될 스타일의 씨앗이다.
폴리네시안 타투는 서양 전통이 그럴 수 있는 방식으로 장식적이지 않다. 그것은 구조적이다. 문양은 근육과 관절, 자세의 선을 따라 몸을 여행한다. 대칭은 근본이다. 절제 또한 그렇다. 디자인은 몸과 대화하며 작동하고, 결코 몸 위에 얹히지 않는다. 견습을 마칠 무렵, Coen은 건축가가 대지를 읽듯 몸통을 읽을 수 있게 되었다. 무게가 어디에 자리 잡고 싶어 하는지, 시선이 어디로 흐르고 싶어 하는지. 그는 머리보다 손으로 이해했다. 몸이 먼저라는 것을.
다음은 오클랜드, 그리고 Ship Shape Tattoo Studio였다. 그곳에서 그는 포토 리얼리즘과 초상, 특히 동물 작업으로 파고들었다. 대부분의 아티스트에게 그것은 완결된 궤적이었을 것이다. 웰링턴에서 훈련받은 폴리네시안 라인워크 전문가가 능숙한 리얼리스트까지 된 것이니까. 그러나 Coen에게 그것은 두 언어가 서로를 찾기 시작한 순간이었다.
발명
대부분의 아티스트가 시그니처라고 부르는 것은 대개 행복한 우연을 나중에 계획처럼 포장한 것이다. Coen의 경우는 둘 다였다. 리얼리즘 초상 작업과 나란히, 그는 당시 아무도 하지 않던 하이브리드를 시험하기 시작했다. 사자, 표범, 호랑이, 늑대 같은 동물의 얼굴을 폴리네시안 뿌리에서 가져온 기하학 문양으로 쌓아 올리고, 그 안에 하이퍼리얼리즘 초상의 보석처럼 빛나는 눈을 박아 넣었다. 문양은 얼굴에 구조를 주었다. 눈은 얼굴에 영혼을 주었다.
그는 그것을 mosaic flow(모자이크 플로우)라고 불렀다.
이 이름은 장식이 아니라 정확한 묘사다. 모자이크는 구축의 원리다. 점, 대시, 기하학적 패널, 장식적 조각 같은 맞물린 부분들이 서로 엮여 하나의 이미지를 이룬다. 플로우는 폴리네시안의 유산으로, 모든 요소의 각도와 크기가 몸의 자연스러운 움직임의 선에 맞춰진다. mosaic flow로 새긴 호랑이는 허벅지 위에 가만히 앉아 있지 않는다. 근육을 따라 달린다. 문양은 형태를 섬기고, 형태는 몸을 섬기며, 몸은 그 몸의 주인을 섬긴다.
“창작적 호기심으로 시작한 것이 순식간에 사람들이 단번에 알아보는 무언가가 되었다.” 그는 자신의 궤적에 감탄하는 것처럼 들리지 않으려는 사람 특유의 절제된 어조로 말한다. “Facebook, Instagram, Pinterest, 그리고 타투 잡지의 초창기에 작업이 온라인에서 빠르게 퍼졌고, 큰 페이지들과 셀러브리티들이 전 세계에서 다시 공유했다. 그런 의미에서 그것은 의식적인 창작의 방향이었지만, 내가 예상했던 것보다 훨씬 더 커져 버린 것이다.”
2017년 Inked 매거진은 그를 Inked Select Artist로 선정하고 그의 스타일을 조명했다. 포토 리얼리즘과 도트워크, 생생한 색채의 포인트를 전통적인 문양 작업에 녹여 냈으며, 정의상 반복 위에 존재하는 어휘에서 새로움을 끌어냈다는 평이었다. 반복이야말로 핵심이었다. 폴리네시안 타투는 문양이 문법이며, 문법이 있기에 새로운 문장을 지을 수 있다고 가르친다. Coen은 문법을 지키면서 어휘를 넓혔다. 그 결과 작품은 첫눈에는 하나의 초정밀 이미지로 읽히고, 두 번째로 보면 하나하나 배치된 수백 개의 요소로 읽힌다. 각각의 요소는 몸 위의 제자리에 맞게 조율되어 있다.
그가 걸어온 길로 도착한 사람만이 만들어 낼 수 있는 스타일이다. 폴리네시안이 먼저, 리얼리즘이 다음, 그리고 처음부터 끝까지 멈추지 않는 갈망.
방법
그의 작품 중 일부는 그려지기 전에 지어진다. 폴리네시안과 마오리 디자인, 그리고 여러 mosaic flow 작품은 빨간 펜으로 몸에 직접 그리는 데서 시작된다. 잉크가 피부에 닿기 전 배치와 비율에만 1시간 이상을 쓰는 경우도 많다. 그의 앞에 놓인 캔버스는 움직인다. 숨 쉬고, 흔들리고, 긴장하고, 풀어진다. 스텐실은 그것을 고려하지 못한다. 자유로운 손은 할 수 있다.
“다양한 스타일과 신체 부위를 수천 시간 작업하면서, 몸에 직접 프리핸드로 디자인을 그리는 강한 직감이 생겼다. 자연스럽고, 균형 잡히고, 그것을 지니는 사람에게 꼭 맞춘 방식으로.” 그것은 쌓는 데 10년이 걸리고, 일단 쌓이면 눈에 보이지 않게 되는 기술이다. 고객은 완성된 타투를 보고 처음부터 꼭 그렇게 보일 운명이었다고 여긴다. 그렇지 않았다. 펜이 피부에 닿기 전까지, 디자인은 아직 최종 형태로 존재하지 않았다.
작업 이전의 작업에 대한 이러한 주의야말로, 그 자신의 말에 따르면 그가 가장 자랑스러워하는 부분이다. “타투에서 가장 간과되는 부분 중 하나는 바늘이 피부에 닿기 전에 얼마나 많은 생각과 준비가 이루어지는가이다. 사람들은 대개 최종 타투만 보고, 계획에 들인 시간이나 상담, 그 디자인이 실제로 오랜 시간 몸 위에서 어떻게 살아갈지 이해하는 과정은 보지 못한다.” 1년 차의 자신에게 무슨 말을 해 주겠느냐는 질문에 대답은 짧다. 준비, 준비, 준비. 그는 그 말을 어떤 사람들이 기도하듯 한다.
바로 여기서 3개의 단어 중 ‘정밀함’이 제값을 한다. 정밀함은 사실 손이 얼마나 안정적이냐의 문제가 아니다. 바늘이 움직이기 전에 작업의 얼마만큼이 끝나 있느냐의 문제다. 그의 정밀함은 그보다 훨씬 전에 시작된다.
여행 가방
2017년 초, 그는 고국에서 치러야 할 대가를 다 치렀고 천장이 낮아지는 것을 느꼈다. 그는 예약이 꽉 찬 아티스트들이 좀처럼 하지 않는 일을 했다. 떠난 것이다.
“2017년 초, 타투 장비가 든 여행 가방 하나를 들고 뉴질랜드를 떠나기로 했다. 세계를 돌며 타투를 하겠다는 것 말고는 아무 계획도 없이, 일생일대의 여정을 시작하기 위해서.” 이 문장에는 조심스럽게 다시 말하는 순간 사라져 버리는 배짱이 있다. 그 뒤로 3년간의 여정이 이어졌다. 아시아, 북미, 영국, 유럽 대륙, 태평양 지역의 스튜디오와 컨벤션을 거치는 길이었다. 그가 지금까지 일한 나라들은 손때 묻은 지도책의 색인처럼 읽힌다. 뉴질랜드, 호주, 중국, 라로통가, 미국, 잉글랜드, 스위스, 독일, 네덜란드, 덴마크, 스페인, 프랑스. 다음은 폴란드다.
길 위의 시간은 그를 다른 아티스트들의 방식과 다른 고객들의 기대에 노출시켰고, 어느 한 시장의 고정관념에서 그를 풀어 주었다. 그리고 암스테르담에서, 훗날 아내가 되어 그의 삶의 지도를 새로 그리게 될 여인을 만나게 해 주었다. 그는 그 유랑의 시절 한가운데에서 Maxime을 만났고, 그 관계는 이후 모든 것의 닻이 되어 왔다.
두 사람은 뉴질랜드로 돌아왔고, 2020년 Tattoo Gold가 타카푸나에서 문을 열었다. 그 이름은 2013년부터 Coen의 것이었다. 견습 시절과 세계 여행 내내 지니고 다닌 임시 이름이었다. 자신만의 현관문을 갖게 되었을 때, 그곳에는 이미 소속 아티스트들과 명성, 그리고 대기 줄이 있었다.
마지막 시술
그의 작업 가운데 눈에 띄게 그의 속도를 늦추는 것은 회복의 여정을 함께하는 작업이다. 그는 유방 절제술을 받은 고객을 매우 많이 작업한다. 수술 이후 자신의 몸과의 관계를 다시 세워 가는 여성들이다. 그 무게는 다른 모든 것에 대한 그의 생각을 새롭게 빚었다.
“내 작업이 누군가의 삶에서 엄청나게 큰 변화를 가져오는 의미 있는 시기의 일부가 될 수 있다는 것을 아주 깊이 의식하게 되었다. 대개는 그 여정의 마지막 단계이기도 하다. 그 책임은 시각적으로 인상적인 무언가를 만드는 것을 훨씬 넘어선다. 타투는 누군가가 상처를 보듬고, 기억하고, 자신감을 되찾고, 다시 자기 자신과 이어지도록 도울 수 있다.”
그는 꾸밈없이 그렇게 말한다. 마음에 남는 구절은 ‘마지막 단계’다. 이 고객들 다수에게 그 시술은 진단, 수술, 재건, 그리고 수년간의 회복이 담겼을지도 모를 일정표의 마지막 약속이다. 그의 의자에 이르렀을 때 그들이 원하는 것은 이미지가 아니다. 끝맺음, 그리고 시작이다. 그는 그 차이를 이해한다.
그 작업은 나머지 모든 것을 새롭게 빚었다. 의지와 아드레날린으로 밀어붙이던 경력 초기의 15시간 마라톤은, 이제 그에게 젊은 남자가 자기 자신과 다투던 모습처럼 보인다. 작품이 요구하면 지금도 오래 작업하지만 리듬은 달라졌다. 늦은 시간이 되면 아드레날린은 옅어지고 더 고요한 무언가가 찾아온다. “마음이 다른 상태로 넘어가서, 피부 위의 모든 디테일, 모든 움직임, 모든 결정을 극도로 의식하게 된다.” 대화는 솔직해진다. 침묵은 편안해진다. 시술은 잉크가 피부에 닿는 것 이상의 무언가가 되고, 그 늦은 시간에 이르면 그것은 두 사람 모두에게 작용하고 있다.
타투가 더 이상 그의 것이 아니라, 의자에 앉은 누군가의 것이 되는 순간이 있다고 그는 말한다. 그것이 언제 일어나는지는 말할 수 없다. 하지만 그것은 일어난다.
바로 여기서 ‘변화’가 제자리를 찾는다. 마케팅 용어가 아니라 타투가 하고 있는 일을 있는 그대로 묘사하는 말이다. 긴 투병을 마무리하는 여성에게, 살아남았음을 새기는 남성에게, 몸이 전쟁터였다가 마침내 살아갈 곳이 되어 가는 고객에게. 타투는 그 경험 위에 덧입혀지는 것이 아니다. 그 경험의 마지막 문장부호다.
“갓 완성된 사진을 위해서가 아니라 미래를 위해 새기는 것이 훨씬 더 중요하다. 때로는 절제가 가장 강한 결과를 만든다.”
이는 2026년에 타투 아티스트가 할 수 있는 가장 중요한 말 가운데 하나이며, 그는 그것을 격식 없이 말한다. 업계는 사진에 보상한다. 막 랩을 감고, 완벽한 조명 아래, 방금 끝낸 작품의 사진에. Coen은 10년을 위해 새긴다. 15년 뒤 선이 어떻게 읽힐지, 콘트라스트가 어떻게 유지될지, 몸이 변하면서 배치가 어떻게 옮겨 갈지를 생각한다.
대가
무엇을 희생했느냐는 질문에 Coen은 쉬운 답을 건너뛰고 더 어려운 답을 꺼낸다. “솔직히 말하면 아마 균형일 것이다. 어떤 창작 분야든 높은 경지에 이르려면, 내버려 두면 삶의 대부분을 쉽게 집어삼킬 수 있을 만큼의 집착이 필요하다. 지난 몇 년간 나는 개인 시간, 인간관계, 가족과의 시간, 심지어 운동이나 제대로 머리를 비우는 것 같은 일들까지 많이 희생했다. 타투가 한 번도 머릿속을 떠난 적이 없기 때문이다.”
그의 머릿속에 가장 오래 머문 아티스트는 빈센트 반 고흐다. 작품이 닮아서가 아니라 반 고흐가 보여 준 것 때문이다. “그의 집착과 감정, 창작에 대한 헌신의 깊이에는 무언가 깊이 인간적인 것이 있었다. 자신의 기예에 온전히 몸을 바치고 의미 있는 무언가를 남긴다는 생각은 어떤 식으로든 늘 내 안에 남아 있었던 것 같다.”
31세, 그가 되어 가고 있는 남자는 집착이 전부 아니면 전무일 필요는 없다는 것을 안다. 이제 그는 일이 어디서 끝나고 삶의 나머지가 어디서 시작되어야 하는지 더 분명하게 본다. 그럼에도 그는 마음먹은 것보다 자주 그 선의 잘못된 쪽에 서 있다. 그의 경지에 있는 아티스트 대부분이 그렇다.
긴 호흡
모든 원숙한 타투 아티스트는 결국 하나의 질문에 답해야 한다. 그들의 예술은 그 매체보다 오래 살아남지 못한다. 피부는 늙는다. 피부에는 주름이 진다. 피부는 결국 멈춘다. 어떤 아티스트에게 그것은 조용한 비극이다. Coen에게는 그것이 핵심 그 자체다.
“나는 타투가 언젠가 사라진다는 사실이야말로 타투를 그토록 강력하게 만드는 이유 중 하나라고 생각한다. 타투는 삶과 분리되어 있지 않다. 그것을 지닌 사람과 함께 삶을 지나간다. 몸과 함께 나이 들고, 기억을 함께 실어 나른다.”
그는 끊임없이 생각한다. 오래 남는 것, 읽히는 것, 몸의 흐름, 그리고 수십 년 뒤 한 작품이 어떻게 느껴질지를. 배치, 바늘의 선택, 바늘을 쓰는 방식. 그 모든 것이 짧은 호가 아니라 긴 호에 맞춰 조율된다. 그가 보기에 타투는 캔버스 위에 얼어붙은 것이 아니라 피부 위에서 살아 있는 것이다. 미술관의 그림과 몸 위의 타투는, 그 비교가 무엇을 암시하든 같은 종류의 대상이 아니다. 하나는 보존된다. 다른 하나는 삶과 함께 살아간다.
이것이 Mosaic Flow의 논리 전부다. 조각들은 시각적으로만이 아니라 생물학적으로도 맞물리도록 짜인다. 수십 년에 걸쳐 피할 수 없이 일어나는 몸의 변화 속에서도 말이다. 오늘 너무 촘촘한 선은 팔뚝 위에서 20년을 버티지 못한다. 너무 빽빽한 도트워크는 결국 하나의 어두운 덩어리로 뭉친다. Coen에게 절제는 취향이 아니다. 긴 승부에 들어서기 위한 입장료다. 그가 고른 세 단어 중 ‘영속’은 염원이 아니다. 그가 내리는 다른 모든 결정 아래를 흐르는 하나의 제약이다.
두 개의 반구
다음 장에서 Coen은 두 곳에서 동시에 살게 된다. 그는 한 해를 오클랜드와 암스테르담 근교의 거점으로 나누어 보낼 준비를 하고 있다. 한쪽은 5년 동안 그의 스튜디오를 품어 온 항구 도시이고, 다른 한쪽은 그에게 아내를 만나게 해 주고 여행 가방과 함께한 떠돌이 시절에 처음으로 긴 쉼표를 찍어 준 곳으로의 귀향이다.
그가 기억되고 싶은 방식은 랭킹과는 별 관계가 없다. 글로벌 톱 100처럼 드문 랭킹이라 해도 마찬가지다. “제가 타투에 남긴 기여가 그 길에서 제가 도운 사람들을 통해 기억되었으면 합니다. 누군가 자신감을 되찾도록, 마음의 상처를 보듬도록, 자기 자신과 다시 연결되도록, 아니면 그저 다시 자기 피부를 자랑스럽게 여기도록 도운 일로 말입니다. 결국 그 인간적인 연결이 저에게는 어떤 랭킹이나 인정보다 훨씬 큰 의미가 있습니다.”
그 수준의 아티스트 대부분이 더 연기하듯 맞이하는 질문에 대한 담백한 답이다. 일부 타투이스트가 갑옷처럼 두르는 록스타 같은 태도는 한 번도 그의 마음을 끈 적이 없다. “타투 아티스트가 고객 앞에서 지나치게 쿨하게, 록스타처럼 굴어야 한다는 고정관념을 늘 좋아하지 않았습니다. 타투는 아주 개인적인 경험이고, 사람들은 존중과 정직함을 누릴 자격이 있다고 생각합니다.”
새 고객을 만날 때마다 그는 같은 조용한 문장을 조금씩 바꿔 말하며 시작한다고 한다. 저는 Coen입니다. 처음부터 끝까지 당신을 잘 돌보도록 최선을 다하겠습니다. 저를 아티스트로 선택하신 건 옳은 결정이었습니다.
글로 보면 사소한 일처럼 읽힌다. 하지만 긴 시술의 한가운데, 의자 위에서, 이 타투가 훨씬 더 긴 여정의 마지막 시술인 고객과 함께라면 그것은 결코 작은 일이 아니다.
작업 전의 작업이 먼저다. 어떤 작품은 빨간 펜으로 몸에 바로 그리고, 어떤 작품은 시술 훨씬 전부터 세밀하게 계획한다. 어느 쪽이든 바늘이 움직이기 시작할 즈음이면 많은 부분이 이미 끝나 있고, 그 부분은 아무도 보지 못하는 부분이다. 그가 이 일에서 가장 자랑스러워하는 것도 바로 그 부분이다.
정밀. 변모. 영속. 세 단어. 13년. 타카푸나의 스튜디오, 그리고 곧 암스테르담 근교에 하나 더. 두 곳 모두에는 하나의 이미지를 위해 찾아왔다가, 생각보다 자주 전혀 다른 무언가를 안고 떠나는 사람들의 줄이 있다.
그리고 마침내, 조각들이 움직인다.
예약 · 오클랜드 타카푸나
문의
현재 타카푸나의 Tattoo Gold에서 예약을 받고 있으며, 암스테르담 거점은 올해 하반기에 문을 열 예정입니다. 예약 가능 일정과 예약 문의는 Coen의 스튜디오 웹사이트를 방문하시거나 Instagram으로 연락해 주십시오. 시술은 예약제로만 진행됩니다.
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아티스트가 직접 고른 다양한 스타일
© Coen Mitchell, 2026
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Coen Mitchell 사진 © SKINGRAPHICA. 수록된 타투 작품 © Coen Mitchell.
© SKINGRAPHICA · ICONICA · 2026년 6월
